De films van Roman Polanski, gerangschikt van slechtste tot beste
Weinig regisseurs hebben een grotere impact op moderne horror of arthouse thrillers dan Roman Polanski. Zijn films variëren van de verspreiding van 'Chinatown' tot de diepe claustrofobie van 'Repulsion', maar bijna allemaal behouden ze hetzelfde gebroken wereldbeeld, hetzelfde donker absurdistische gevoel voor humor en dezelfde focus op machtsspel. De controverse over Polanski's echte misdaden overschaduwt soms zijn films, maar hij blijft een vitale en belangrijke regisseur in zijn zesde decennium als filmmaker. In afwachting van zijn nieuwste, 'Venus in Fur', die aanstaande vrijdag opent, is hier een ranglijst van zijn films, van slecht naar best.
LEES MEER: ‘Venus in Fur’ directeur Roman Polanski in Cannes: ‘Ik heb lang genoeg geleefd om te weten dat ik kan regisseren.’
20. 'Wat? ”(1972)
Indiewire's eigen Eric Kohn maakte een redelijk goede zaak voor 'Wat?' Als iets anders dan een ziekmakende id-upchuck. Ik wou dat ik hetzelfde kon doen. Gefilmd in Italië nadat producent Carlo Ponti Polanski een carte blanche en een prachtige Italiaanse villa gaf om mee te werken, wordt “What?” Gesteld als een sexy riff op “Alice in Wonderland” via Fellini. Dat maakt het meer coherent dan het is en het bereidt zich niet voor op de ongebreidelde misogynie van de film. De film opent met een poging tot verkrachting van een bende die wordt uitgelachen (geen goed teken) en ziet een schaars geklede Synde Rome in een staat van eeuwig seksueel misbruik door Marcello Mastroianni (in een beetje trieste zelf-parodie) en Polanski zelf. Waar eerdere inspanningen van Polanski een zekere mate van empathie vertoonden voor de vrouwen die door mannen worden gebruikt, heeft 'Wat?' Geen echt perspectief op de lelijkheid die wordt getoond, als een beetje vooraf voorspellend over hoe de decadente stijl en levensstijl van Polanski was neergestreken in iets smerigs .
19. 'Pirates' (1986)
Vrijgelaten na een afwezigheid van zeven jaar van het maken van films, suggereert 'Pirates', de poging van Polanski om blockbuster te filmen, dat de regisseur een beetje roestig was. De misvatting van de film begint met de surreële miscasting van Walter Matthau als een piraat, die de bij uitstek sympathieke personage-acteur begraven onder veel haar en make-up ziet, zijn herkenbare stem geruild voor een vreselijk piratenaccent. Wat erger is, 'Piraten' heeft niet het soort verhaallijn dat het beste de absurdistische humor van de regisseur dient, in plaats daarvan bestaande uit een aantal samengevoegde scènes waarvan Polanski dacht dat het grappig zou zijn. En hoewel er indrukwekkende momenten van puur spektakel zijn, met name het grootschalige galjoen dat voor productie is gebouwd, zijn de actiescènes schokkerig en moeilijk te volgen, waardoor de verkoopargumenten van de film een logboek zijn om door te zitten.
18. 'Oliver Twist' (2006)
Gezien Polanski's eigen tumultueuze jeugd, is het gemakkelijk om te zien hoe het aanpassen van Charles Dickens 'Oliver Twist' misschien een verleidelijke propositie was. Maar de visie van Polanski op Twist is niet bijzonder onderscheidend, met hetzelfde saaie visuele palet dat werkte op 'The Pianist' zonder de geleidelijke kleurafname van de eerdere film die de keuze effectief maakte. De film behandelt overigens levenloos dezelfde plotpunten die we in eerdere bewerkingen van de roman zagen, waarbij de hammy Fagin van Ben Kingsley het enige energiepunt was. Het is geen vreselijke film, maar het is te verdomd bekend om op te vallen naast de onuitwisbare versie van David Lean uit 1948 of de opgeblazen maar charmante film van Carol Reed van de musical 'Oliver!'
17. 'Death and the Maiden' (1994)
Weinig regisseurs halen meer kilometers uit het beperken van films tot één locatie dan Roman Polanski, maar hij heeft soms problemen bij het aanpassen van toneelstukken. 'Death and the Maiden' heeft een ingenieuze opzet: een voormalige revolutionaire (Sigourney Weaver) die aan PTSS lijdt, gelooft dat ze de man (Ben Kingsley) heeft gevonden die haar jaren geleden heeft gemarteld en verkracht en hem gegijzeld; haar man (Stuart Wilson) is minder zeker. Het probleem is dat de insulariteit van het stuk op het scherm gekunsteld aanvoelt, en het is veel te on-the-nose met zijn punten over macht, waanzin en paranoia. De cast is ook ongelijk: Kingsley is uitstekend als de soms sympathieke, soms vage gijzelaar, maar Wilson maakt niet veel indruk en Weaver is niet karakteristiek oververhit, wat een al wankel script ondermijnt dat draait om de dubbelzinnigheid van het al dan niet ze heeft gelijk.
16. 'Carnage' (2011)
Polanski had meer geluk met het openen van 'Carnage', een bewerking van Yasmina Reza & ss razende toneelstuk 'God of Carnage', waarin twee paren, gescheiden door klasse, elkaar ontmoeten om een incident tussen hun kinderen te bespreken en elkaar keel te scheuren ’; s . Polanski speelt het onvermogen van het stel om het appartement te verlaten en laat het gewoon gaan als een geweldige absurdistische grap, waardoor de acteurs de controle over het scherm krijgen. Maar slechts de helft van de cast is aan de beurt: waar Christoph Waltz hilarisch neerbuigend is en Kate Winslet tegelijkertijd irritant en sympathiek is, overtreft Jodie Foster haar schrille karakter, terwijl John C. Reilly zijn plotselinge verschuiving naar lompheid niet kan verkopen. En zelfs als de cast op dezelfde pagina stond, is 'God of Carnage', Tony Award verdomd, geen erg goed stuk, een goedkope Edward Albee wannabe die denkt dat mensen hun misantropie verbergen onder een façade van beleefdheid is nieuw en inzichtelijk in plaats van versleten en uitgespeeld.
15. 'De negende poort' (1999)
'The Ninth Gate' is een stomme film, maar er is iets pervers aan de hand. Natuurlijk, de plot, over een jacht op een boek dat letterlijk door de duivel is geschreven, is belachelijk en de film eindigt met een enorme plof waar de mysterieuze schurk (Frank Langella) zich plotseling als een idioot begint te gedragen. Maar in het begin doet het er nauwelijks toe, waarin Polanski griezelig classicisme combineert met een boogtint tot bedwelmend effect. Het helpt dat Johnny Depp, terug in de 'echt proberen' fase van zijn carrière, de juiste toon van scepsis en sluwheid brengt voor de 'Chinatown' van de film en de opzet van 'Rosemary ’; s Baby'. Als drama is het onbevredigend en meer dan een beetje gek. Als een stilistische oefening is het geweldig.
14. 'Frantic' (1988)
'Frantic' is de meest ongecompliceerde film die Polanski ooit heeft gemaakt, een lichtgewicht imitatie van een Hitchcockiaanse thriller met een zwakke macguffin, onherinnerbare schurken en een blanco uitvoering van Polanski's toekomstige vrouw Emmanuelle Seigner als de mysterieuze vrouw die Harrison Ford helpt zijn ontvoerde vrouw te redden. Maar Polanski haalt sterk werk uit zijn vermoeide ogen en steeds meer geërgerde Ford als hij zich bezighoudt met ineffectieve bureaucratie en toenemende uitputting. Polanski haalt ook enkele dynamiet set-stukken tevoorschijn, waaronder een waarbij Ford moet vermijden gezien of gehoord te worden op het dak van Seigner. Het is een wegwerpfilm, maar nauwelijks een slechte.
13. 'Tess' (1979)
Bedacht als een comeback voor Polanski na zijn ballingschap uit Amerika, 'Tess', een aanpassing van Thomas Hardy's 'Tess van de D'Urbevilles', zag de regisseur kort terug op zijn spel en verdiende hem zijn tweede Best Director-nominatie. Het is een film van vele geneugten, van Geoffrey Unsworth en Ghislain Cloquet ’; s prachtige, wazige cinematografie tot Nastassja Kinski ’; s prachtige tentatieve uitvoering, en Polanski ’; s diep sympathieke blik op de ontmenselijking van Tess als voortdurende toevoeging aan Polanski; met macht en oneerlijke werelden. Maar 'Tess' beweegt zich in een slakkengang, vaak als een rijk ingebeeld maar in wezen vormloos boek over film, en Polanski is beter geschikt voor films van altijd aanwezige angst en gevaar dan om historische stukken te schilderen. Het is een bewonderenswaardige film, maar niet altijd een aangrijpende.
12. 'The Ghost Writer' (2010)
Voor een korte tijd leek het op “The Ghost Writer ”; is misschien Polanski's laatste film, omdat de regisseur bijna werd uitgeleverd aan de VS voor zijn verkrachting van een minderjarig meisje uit 1977. Het zou niet zo zijn, maar het zou geen slechte film zijn geweest om op te eindigen. Opening met een elegante beweging die Hitchcock waardig is - een auto verlaat de veerboot niet en een lichaam spoelt aan wal - Polanski heeft een sfeer van rustig sudderende dread die nooit ophoudt. Polanski heeft niet veel interesse in de politieke implicaties van Tony Blair-surrogaat van Pierce Brosnan, maar hij krijgt geweldig werk van zijn cast (met name een mysterieuze Olivia Williams), en zijn beheersing van beperkt perspectief maakt een aantal grote misleiding een gevoel van isolatie voor een protagonist die een man is zonder bestaan, een man die gemakkelijk kan verdwijnen of gecontroleerd kan worden.
11. 'Cul-de-sac' (1966)
Dwarfed door Polanski's andere films uit de jaren 60 en niet beschikbaar totdat Criterion het een paar jaar geleden uitbracht, 'Cul-de-sac' is een overgangsfilm voor Polanski, maar een memorabele poging op zich. Een soort van 'Wachten op Godot' ontmoet 'Little Caesar', de film is een power-play tussen brutale Amerikaanse gangster Lionel Stander, die wacht op een collega die nooit laat zien, en ineffectieve Brit Donald Pleasence, wiens kasteel Stander tegenkomt . Stander domineert en ontkracht Pleasence voor zijn oversexed vrouw (Francoise Dorleac) terwijl Polanski het kasteel gebruikt om een opvallend effect te bereiken, waardoor een strijd van verstand verandert in een te grote kijk op mannelijke dominantie. Als de laatste momenten van deze zwarte komedie meer verontrustend dan grappig zijn, is het omdat het komisch is in de smerigste zin van het woord en het sombere wereldbeeld van Polanski naar zijn meest geelzucht duwt.
10. 'Venus in bont' (2013)
Hoewel de twee-persoonsact van de film er waarschijnlijk van zou profiteren om de acteurs in het echt te zien, voelt 'Venus in Fur' nooit als ingeblikt theater, met Polanski's subtiele verschuivingen in verlichting en off-kilter composities die perfect passen bij dit heerlijk lugubere psychodrama. Het onderwerp is ook perfect voor hem, het destilleren van zijn kijk op seks en macht in de kunst in een geconcentreerde dosis en met een carrière-beste prestatie van Emmanuelle Seigner als een actrice die voortdurend verschuift van actrice naar karakter, onderdanig naar dominant, manipulatief naar … meer manipulatief.
9. 'The Tenant' (1976)
Polanski's laatste film voor zijn permanente ballingschap uit de VS is ook zijn meest losgeslagen en misschien wel zijn meest verontrustende. Het laatste deel van een losse trilogie 'Apartment Trilogy' die begon met 'Repulsion' en 'Rosemary ’; s Baby', speelt Polanski als een in Polen geboren accountant die in Parijs woont en gelooft dat zijn xenofobe buren hem proberen te dwingen zelfmoord zoals de vorige (vrouwelijke) huurder of, meer bizar, proberen hem in de vorige huurder te veranderen. De film begint gek en wordt gekker, en combineert griezelig surrealisme (Polanski gooit stukjes afval weg terwijl hij zijn afval weghaalt, alleen om terug te komen en ze als vermist te vinden), terreur (de vorige huurder verschijnt onverklaarbaar aan de overkant en geeft hem een griezelig glimlach), en ronduit gekte (Polanski die een klein kind slaat zonder waarneembare reden). Het proefschrift van de film is niet zo duidelijk als zijn eerdere inspanningen, maar het is nog steeds een zeer effectief verhaal over hoe de waanzin van de wereld de geest vergiftigt.
8. 'Bitter Moon' (1992)
De meest onderschatte film van Polanski, 'Bitter Moon', is een beetje een herwerking van zijn debuut 'Knife in the Water' - beide spelen zich af op schepen (deze op een cruiseschip), en beide gaan over relaties gespannen door verhoogde seksualiteit . 'Bitter Moon' brengt Polanski's esthetiek naar een groter uiterste, beginnend met een tongstrelende softcore waas en campy toon die culmineert met Emmanuelle Seigner die melk over haar borsten giet naar de melodie van George Michael's 'Faith' en vervolgens het publiek naar buiten haalt van hun valse gevoel van veiligheid tegen ongemakkelijk terrein zoals Peter Coyote die een varkensmasker draagt en op handen en voeten kruipt of Coyote en Seigner's intense emotionele wreedheid jegens elkaar. Hun ongeremde sleaziness contrasteert perfect met het milquetoast-paar van Hugh Grant en Kristen Scott Thomas en laat zien hoe een extreme relatie een mildere relatie kan weerspiegelen, waarbij beide uiteindelijk afhankelijk zijn van machtsspelletjes tussen geliefden.
7. 'The Pianist' (2002)
Polanski's meest persoonlijke film is ook een van zijn beste, een Holocaust-film die net zoveel gaat over een gek geworden wereld als over het evenement. Het heeft enkele subtiele aanrakingen van Polanski, van de verschuiving in kostuums van levendige kleding tot bedompte grijzen en bruintinten tot het gebruik van een beperkt perspectief van Wladyslaw Szpilman (een achtervolgde Adrien Brody in een Oscar-winnende rol), die nooit kan weten wie te vertrouwen of waar te wenden, en die hulpeloos is om iets te doen om de nazi's te weerstaan als hij wil overleven. Polanski ziet ook de duistere (zo niet onmogelijk om uit te lachen) absurditeit in de situatie van Szpilman, omdat hij voortdurend de dood wordt bespaard, niet door het gebruik van zijn verstand, maar door dom geluk. Hij heeft tot het einde een gevoel van bittere ironie, wanneer de goede daad van een Duitser niet voldoende is om hem van de vergetelheid te redden. De film leverde Polanski een verrassende Oscar-overwinning op voor Beste regisseur en een welverdiende overwinning.
6. 'The Fearless Vampire Killers' (1967)
Waarschijnlijk de meest polariserende film in Polanski's oeuvre, 'The Fearless Vampire Killers' is zijn meest succesvolle komedie tijdens een wandeling, een oneerbiedige maar aanhankelijke parodie op de Hammer-horrorfilms. De humor is breed, maar Polanski filtert het door een fijn afgesteld genre-kader en veel van zijn aanrakingen zijn echt geïnspireerd, vooral een joodse vampier die een vrouw met een kruis uitlacht ('Oei, heb je de verkeerde vampier! ”) En kvetches over het krijgen van een mindere behandeling dan de rijke goy vampiers. Polanski tempert ook de schunnige seksuele humor met een echte zoetheid wanneer zijn karakter valt voor de stralende Sharon Tate (die haar lot helaas pas twee jaar later door de familie Manson zou ontmoeten). Zelfs die zoetheid leidt echter tot een van de beste ironische uiteinden in de filmografie van Polanski, wat suggereert dat het door liefde is dat het kwaad kan overwinnen, iets waar Polanski naar zou terugkeren in 'Rosemary ’; s Baby.'
5. 'Macbeth' (1971)
Ongetwijfeld de definitieve filmversie van het stuk van Shakespeare (alleen 'Throne of Blood' van Akira Kurosawa ’; zou het kunnen evenaren), 'Macbeth' van Polanski is de Bard bij wijze van atmosferische horror. Doom en angst hangen over de wereld als een altijd aanwezig spook, en de griezeligste scène van de film, de slachting van de familie van Macduff, vertoont een verontrustende gelijkenis met beschrijvingen van de moord op Sharon Tate, alsof Polanski zijn ergste nachtmerries uitoefent. Polanski ’; s vrijheden met het spel maken het alleen nog verontrustender, met een einde dat suggereert dat de cyclus van geweld, verraad en dood zal voortduren tot het einde der tijden.
4. 'Mes in het water' (1962)
'Knife in the Water', een van de grootste regiedebuut aller tijden, is een film waarin denkspellen tussen oud en jong, burgerlijk en proletariaat fysiek worden. Polanski contrasteert briljant met de openheid van de zee met de claustrofobie van de boot waar een echtpaar en een niet nader genoemde, viriele lifter op blijven, totdat ze een strijd aangaan voor de genegenheid van de vrouw van de rijke man. smerig als het bezit van een mes (groot, fallisch en brutaal) een symbool wordt van macht en seksuele dominantie. Het is een pessimistische film waarin niemand onschuldig is, iedereen een game speelt en geen van hen ongeschonden kan terugkeren naar zijn gewone bestaan. Toch is het ook een van de meest vermakelijke thrillers van de jaren 1960, met Polanski die een talent toont voor werken met diepe focus en speelse bewerking.
3. 'Afstoting' (1965)
De films van Polanski gaan vaak over onschuldigen die door de wereld worden gestoord, maar er is iets vreselijk mis met het personage van Catherine Denueve in 'Repulsion' vanaf het begin. Als ze de orgasmen van haar zus hoort, lijkt het alsof ze wordt gemarteld. Alle seksualiteit is verkrachting voor Denueve - haar dromen van mannen die haar domineren en visioenen van muren die haar borsten vastgrijpen, zijn slechts een opstap naar haar afdaling naar waanzin. Het is de zeldzame horrorfilm waar de surrealistische elementen bijna geruststellend zijn in vergelijking met de realistische - Deneuve's koude blik, haar levendige dromen van seksuele overtreding en de openhartigheid van de moordscènes. Polanski speelt met het idee dat ze een vrouw is die misplaatst is - een onderdrukt Europees meisje dat te maken heeft met de seksuele permissiviteit van swingend Londen - maar een raadselachtig laatste schot laat open of deze angst wel of niet voortkomt uit eerdere ervaringen of algemene repressie. Dat maakt deel uit van wat 'Afstoting' zo effectief en verontrustend maakt - er is geen antwoord.
2. 'Rosemary ’; s Baby' (1968)
Het genie van 'Rosemary's Baby' begint met een aantal van de meest gewaagde casting van Polanski's carrière: een prachtig expressieve Mia Farrow als een buurmeisje werd ziek, doodsbange moeder, daffy Ruth Gordon als een zoet satanische buurvrouw, en onafhankelijke filmmaker en soms mainstream-acteur John Cassavetes als een man die zijn ziel verkoopt voor een pauze. De overheersing van Rosemary is een van Polanski's meest perfect gerealiseerde machtsspel, omdat de dominerende personages niet langer de openlijk minachtende of wantrouwende figuren van 'Mes in het Water' en 'Afstoting' zijn, maar de mensen die Rosemary het meest vertrouwt: artsen, vriendelijk buren, haar man. Polanski plaatst ons in het beperkte perspectief van Rosemary, waar we haar paranoia voelen, maar vragen ons af hoeveel we kunnen vertrouwen op wat we zien. En het huiveringwekkende einde van de film is niet verontrustend omdat het niet het bestaan van het kwaad suggereert, maar dat het goede zichzelf kan neerleggen om het te accepteren. Meer dan 'Psycho', die eindigt met een verklaring, is 'Rosemary's Baby' de geboorte van moderne horror, waar het 'waarom' van de situatie onmogelijk te beantwoorden is.
1. 'Chinatown' (1974)
Het kroonjuweel in de filmografie van Polanski, 'Chinatown', is een gebarsten, koud meesterwerk, een revisionistisch oorsprongverhaal voor modern Amerika. Samen met Jack Nicholson op het hoogtepunt van zijn slimme charme met een bijna perfect script van Robert Towne, ruilt Polanski de zwarten en blanken van noir in voor een zonovergoten blik op de schaduwrijke, zelfkant van Los Angeles. 'Chinatown' werkt zowel als een apotheose van noir als een subversie ervan, waarbij het gelikte privé-oog het alleen maar erger maakt en de femme fatale het enige echt onbaatzuchtige karakter is. Het is de ultieme kijk op Polanski's interesse in macht en een gek geworden wereld, waar de reden voor de uitbuiting van zowel land als persoonlijk vertrouwen simpelweg is omdat de schurk daartoe in staat was, en waar de held niet eens licht naar de waarheid kan brengen . 'Vergeet het maar, Jake, het is Chinatown.'
Kansen en uiteinden: Polanski's vroege korte films, allemaal gemaakt tijdens zijn ambtstermijn bij de National Film School in Lodz, zijn beschikbaar op de Criterion-editie van 'Knife in the Water'. Ze zijn allemaal uitstekend, maar de absurdistische korte 'Two Men and a Wardrobe' is met name interessant. Momenteel maakt hij zich op om zijn 21e speelfilm 'D' over de Dreyfus-affaire te regisseren. En zoals bij elke regisseur, heeft hij een hele reeks fascinerende onopgemaakte projecten, waaronder aanpassingen van Dostojevski's 'The Double' en Michal Boelgakov's stalinistische satire 'De meester en Margarita', die Polanski als het beste script beschouwde dat hij ooit schreef. Ach ja.
